CÓMO HACER UN BUEN SELF-TAPE
QUÉ ES UN SELF-TAPE
Básicamente es una escena que te grabas tú mismo. Algo que en pandemia se ha multiplicado exponencialmente en los castings para cine y series.
Pese a que lo importante es tu interpretación, vamos a darte tips para que no cometas los errores que muchos actores hacen a la hora de grabarse, desde el ajuste de calidad, iluminación e interpretación.
Como decimos, el self-tape se basa en tu interpretación. Es lo más importante. Más que la calidad y la iluminación. Pero si lo haces frente a una estantería o en la cocina, va a distraer de lo que estás haciendo, ya que los ojos del espectador escanean inconsciente o conscientemente todo. Es preferible ponerse frente a un fondo liso, como una pared azul o gris. Puedes comprar un fondo de fotografía plegable desde 11 euros en Amazon.
ILUMINACIÓN Y SONIDO EN UN SELF-TAPE
Si estás filmando en casa, busca la luz natural. Es mejor que la luz principal esté de frente. Si la ventana está a la izquierda o derecha, corres el riesgo de que la luz ilumine sólo un lado de tu cara. Si no tienes acceso a luz natural o es de noche, puedes usar un anillo de luz o un foco suave. Juega con la posición de la luz para minimizar el reflejo en los ojos.
La mayoría de las cámaras tienen un micrófono incorporado, pero si tu presupuesto lo permite, es mejor conectar un micrófono externo a la cámara para un sonido más profesional. Asegúrate de cerrar todas las puertas y ventanas para evitar ruido ambiental.
PLANO DEL SELF-TAPE
La mayoría de los self-tapes se piden en plano medio, justo debajo de las costillas inferiores, con la parte superior del plano una fracción por encima de la cabeza. Ni muy ajustado, ni con mucho aire. Muchos actores dejan demasiado espacio vacío sobre la cabeza, lo que debilita la forma en que se ve en la cámara. Si el camarógrafo tiene dudas sobre el plano, pídele que deje más hueco de lo normal y luego lo recortas al editar.
LA RÉPLICA EN EL SELF-TAPE
Es mejor que tu réplica la dé un actor. Colócalo de tal forma que su línea de ojos esté lo más cerca posible de la altura de la cámara sin mirar hacia abajo, ni arriba. Si no tienes un micrófono externo, que se aleje un poco de la cámara para que su voz no esté por encima de la tuya. Recuerda que lo importante es como se te vea a ti, más que cómo la réplica lo hace.
CONÉCTATE DESDE EL PRINCIPIO
En cámara siempre en personaje. El self-tape debe captar al público de inmediato. Esto no significa que tengas que haer nada extremo; sin embargo, algunos actores esperan hasta que escuchan la llamada “acción” antes de comenzar a actuar. El actor debe estar conectado desde el comienzo de la grabación. Improvisa, mira tus acciones. Una vez estés conectado, cíñete al guión. Siempre puedes eliminar la primera parte.
edición de un self-tape
Familiarízate con un programa de edición. Windows y MAC traen uno incorporado. Si no, puedes probar editores profesionales como Adobe Premiere o Final Cut. Normalmente, te darán instrucciones de cómo quieren que les envíes la edición. Si no, cíñete a la escena y no añadas entradas o adornos innecesarios.
GÉNERO / CÓDIGO DEL self-tape
Hay muchas formas de actuar, códigos… Cada serie o película tiene su alma. No es lo mismo actuar en un culebrón turco, que en una producción de los hermanos Cohen. Investiga la producción, el director, el autor para tener una idea del tono del proyecto. A veces ayuda ver un episodio de un proyecto similar para tener una mejor idea de cómo presentar tu actuación. No para copiar, sino para entender. Sigue siendo único.
decisiones del personaje
Stella Adler dijo: “Tu talento está en tus elecciones”. Se trata de tu versión del personaje. Los mejores self-tapes parecen “conversaciones captadas por la cámara”. Toma decisiones para tu personaje que sean humanas y veraces.
Pregúntale a tu personaje:
- Cuál es el propósito de esta conversación?
- Qué opina de la persona que tiene en frente?
- Qué espera que la otra persona diga o haga?
- Qué pierde si no consigues lo que necesitan?
- Cuán urgente es la situación?
haz una escena interesante
Asegúrate de que haya un cambio en tu personaje de principio a fin. Rango y cambio. Los cambios de ritmo y energía captarán la atención del público.
No tengas miedo de tomar decisiones anticipadas incluso si va en contra de la fisicalidad de quien te da la réplica, porque no le vemos. Todo esto hay que tomarlo con sentido común, por supuesto. Esto es algo que en teatro jamás sería aceptable. Pero si es tu madre no actriz quien te da la réplica, a veces interesa tomar decisiones anticipadas, siempre desde el sentido común. Después de todo, se trata de tu versión del personaje, no de lo bien que rebotas en tu lector. Chequea tu actuación, escucha la réplica, míralo con los ojos de un director de casting que quiere ver si eres capaz de dar el perfil y actuar en condiciones.
¿dónde estoy en la escena?
El self-tape es un medio artificial; no estás en el set lidiando con el entorno real en el que se encuentra tu personaje. Muchos actores se sientan o se ponen de pie sin tomar decisiones sobre la fisicalidad que te hace estar en el ambiente que se supone que estás.
Toma decisiones sobre cómo te sentarías o estarías de pie, de tal forma que tu cuerpo esté en el ambiente en que se desarrolla la escena. Por ejemplo, si tu personaje está en la cama, en lugar de simplemente estar sentado en una silla, podrías sentarte con las piernas dobladas y pies sobre la silla, para parecer más relajado, como lo harías si estuvieras, de hecho, en la cama.
la importancia de tus ojos
Al ser medios visuales, el cine y la televisión tienen más que ver con lo que vemos que con lo que oímos. ¡Y el público o directores de casting te están mirando a los ojos! Dar vueltas o hacer muchos movimientos innecesarios de la cabeza puede distraer. No hay nada correcto o incorrecto aquí, pero es importante dominar el arte de la pantalla. Nosotros enseñamos el arte de actuar en cámara, la diferencia de planos y cómo afectan a tu actuación y todo lo necesario para que estés cómodo y hagas un buen trabajo en el set, desde nuestra experiencia como actores, realizadores y directores de casting.
Conoce tu cara y lo que revela en la cámara. Mira tu self-tape con el volumen al mínimo para ver si se te mueves demasiado o tienes algún tic que distraiga de conectar contigo. Con tus ojos.
la energía en el self-tape
Ni mucha, ni poca. La justa. El director de casting quiere ver tu versión del personaje, no una muestra de todo lo que sabes hacer. Ten cuidado de no hablar demasiado alto o hacer demasiados gestos por querer “actuar” y mostrar tu talento. Piensa en el self-tape como una conversación privada entre tú y quien te da la réplica. Siempre dependiendo de las circunstancias de la escena. No es necesario hablar más fuerte o exagerar la cara, lo que estás pensando y sintiendo. La cámara captará todos los detalles y matices; confía en que te respalda, que está contigo. El solo hecho de estar frente a la cámara ya te hace interesante, así que compórtate con sinceridad y ten cuidado de presionar demasiado por querer mostrar todo.
divide el self-tape en momentos
Se dice que una gran película tiene tres escenas geniales. Piensa en tu self-tape como una mini película, con la posibilidad de darle tres momentos interesantes. Un comienzo fuerte, conectado y vivo en el cuerpo, un final fuerte y cualquier otro punto del guión donde sientes que la situación alcanza su punto máximo, donde es más intensa. Lo que hagas en este momento cumbre depende de ti. En resumen, comienza conectado y vivo, encuentra el momento cumbre, termina con fuerza.
haz una toma libre para tu self-tape
Haz una toma libre. Una vez que sientas que tienes una toma útil, haz una más en la que te olvides de todo haciendo lo que quieras sin miedo al resultado. Puede que no la uses en absoluto; sin embargo, debido a que tienes la seguridad de esa toma útil, puedes jugar o experimentar más en esta toma libre. Incluso hacer descubrimientos u opciones que te sorprendan y acaben siendo la toma preferida. Hazlo sin expectativa. Lo peor que puede pasar es que la borres.
Un entrenamiento de actuación ante la cámara donde aprenderás tanto la dinámica en un set de rodaje, tips, preparación, cosas a tener en cuenta, lenguaje, como herramientas para llevar tu actuación al siguiente nivel, conectando mejor con la escena, su contexto, personaje, compañeros, las reglas del ritmo y energía, todo a través de tu vulnerabilidad y comicidad personal.
En la productora Musical Impro vas a llenarte de confianza y seguridad, junto a un equipo con experiencia en distintos rodajes para cine y televisión, distintos ritmos, directores con objetivos y dinámicas diferentes… Todo con el objetivo de que ante la cámara sólo te preocupes de disfrutar.
Trabajamos desde el principio dentro de la compañía, con un entrenamiento sólo para actrices/actores y/o bailarines/as que tengan experiencia o hayan cursado el primer año de iniciación-intermedio con nosotros. El objetivo es crear una obra para con ella girar por festivales como hicimos con alumnos del LAB en Gente natural (Festival SURGE Madrid 2020), Loser (Festival SURGE Madrid 2019, seleccionada en La Térmica de Málaga y Teatro de Salobreña), El Sonido de mi locura (El Barrio’s Art Festival, Nueva York) Mundos Posibles (Festival Gatadans, Teatro Zorrilla de Valladolid y varias salas madrileñas), Síndrome Musical (Festival La Quinta del Sordo y varias salas madrileñas durante 3 años en cartel), etc).